La 30ª edición del Journées cinématographiques de Carthage, creados hace 53 años en 1966, se desarrolló en Túnez del 26 de octubre hasta el 2 de noviembre de 2019, con Les Epouvantails de Nouri Bouzid como película de apertura, que abrió el tema central de la emancipación frente a la violencia, Eros y Tánatos, que recorre todas las películas. El Gran Jurado presidido por el director franco-senegalés Alain Gomis otorgó su palmarés.
Delante de la gran sala Ópera llena a tope en la nueva y monumental Ciudad de la Cultura en la avenida Mohamed V, el productor de “Atlantique”, Oumar Sall, habló después de la entrega del Tanit de Plata y del premio a la mejor música para Fátima Al Qadiri a los tres actores de la película que vinieron especialmente a Túnez para acompañarlo: Mame Binta Sané, Amadou Mbow e Ibrahima Traoré. Insistió en la importancia de este premio en tal lugar de reconocimiento africano. Efectivamente, como lo señaló Alain Gomis, “las selecciones de los festivales internacionales tienden a diversificarse. Esto hace que las JCC y el Fespaco sean aún más importantes, que eligen las películas del contexto africano, eliminando así “lo que está pasando allí”. Permiten una mejor confrontación y hablar un poco más de cine.”
En este sentido, las JCC hablaron mucho de cine: talleres profesionales se llevaron a cabo durante toda la semana, de los que hablaremos en otro artículo. Punto culminante, el trío Tanits del palmarés de ficción incluye tres primeros largometrajes, todos realizados por mujeres: una nueva generación se perfila, particularmente prometedora.
Emancipación femenina
Oimos en los talleres, seleccionadores de los festivales quejarse sobre la recurrencia de ciertos temas, como las mujeres víctimas, las películas sospechosas de querer atraer a los occidentales. Vemos un viejo juicio revivir aquí (¡ya discutido en un coloquio de la JCC de 2002!) ¿Pero eso no es la elección de los cineastas que piensan que es importante tratar este tipo de temas sensibles en su sociedad? ¿No es la elección eminentemente respetable de las realizadoras conscientes de la necesidad de producir relatos que puedan hablar a las mujeres y a los hombres, diferentes del discurso de la dominación, del guiño voyerista o de la sospecha que impregna el cine? ¿No es esto una lucha para revertir y deconstruir la mirada patriarcal? A la época de me-too, esto debería ser evidente… Y fundamentalmente, lo que importa no es el tema sino cómo su tratamiento moviliza y mueve al espectador.
Las mujeres son ciertamente víctimas de las costumbres, leyes o comportamientos machistas, pero saben cómo responder a ellos, y ese es el verdadero tema. De hecho, cinco de las doce películas de la competición de largometrajes de ficción estaban realizadas por mujeres y todas ellas escenifican un intento de emancipación femenina.
No hace falta insistir en la cualidad de “Atlantique” de Mati Diop, que recibe el Tanit de Plata. Se celebró durante su Gran Premio en Cannes el 25 de mayo. Ada entiende que el regreso sobrenatural de Souleiman le permite convertirse en una mujer, en resumen, que su muerte la invita a seguir su propio camino cuando se enfrentó a un matrimonio forzado. En “Adam” de Maryam Touzani (Marruecos), ganadora del Premio Paulin Soumanou Vieyra de la Federación Africana de Críticos de Cine pero también del premio por el mejor montaje y la mejor fotografía por la bella fineza de su estética, la llegada de la joven Samia embarazada y sin hogar desestabiliza a la viuda Abla, que de alguna manera se había retirado del mundo, y le abre posibilidades. Y en “Scales” de Shahad Ameen (Arabia Saudita, Tanit de Bronce), una asombrosa y cautivadora película en blanco y negro basada en el imaginario local, la joven Hayat acabará eligiendo su cuerpo femenino en lugar del destino de sirena a la que habría sido condenada por una costumbre de infanticidio que sacrifica niñas al mar para mantenerlo lleno de peces.
Pero las dificultades sociales o históricas son a veces más fuertes. En “Papicha” de Mounia Meddour (Argelia), el joven Nedjma sueña con convertirse en estilista en un país que está en plena guerra civil. La película se basa en la energía de su voluntad, pero la violencia que la rodea le impedirá hacerlo. En la hermosa “Noura’s dream” de Hinde Boujemaa (Túnez), que recibió el prestigioso Tanit de Oro y un merecido premio de interpretación por Hend Sabri, Noura desea vivir una vida amorosa feliz y negar a un marido violento, pero la ley se opone a eso, como su marido, que acaba de salir de la cárcel. En ambos casos, sin embargo, la película termina con la resiliencia de las mujeres. No se trata de desesperar las espectadoras, sino de darles el coraje de mover las líneas. Este es también el caso del edificante “Certified mail” realizado por un hombre, el egipcio Hishem Saqr, en la que una mujer esquizofrénica que recibe letras que ella misma puede haber escrito, tiene que resolver el embrollo creado por un error cometido por su marido, empleado de banco, y encerrado en la cárcel. También será la ocasión de su emancipación.
La violencia de los hombres
La violencia de los hombres, las mujeres la sufren, pero también toda la sociedad. Irriga las películas que a todas les gustaría conjurarla. ¡Sin embargo, a veces resulta películas sangrientas! El argelino Amin Sidi-Boumédiène sigue en “Abou Leïla” a dos amigos de infancia en busca de un peligroso terrorista. Estamos en 1994. La película empieza con un frío asesinato en medio de la calle de Argel y prosigue con la búsqueda de un terrorista en el desierto, una búsqueda que parece absurda pero que el objetivo de Lotfi (Lyes Salem, que recibió el premio de interpretación masculina) es mantener a S. alejado de la capital porque se está volviendo loco. Este dúo infernal se enfrentará a su propia violencia… Fascinante y alucinante en sus visiones imaginarias, cultivando la ambivalencia hasta el final, la película, sin embargo, llevada a 2 horas 10, se debilita cuando usa demasiado de la película de horror. Esta distancia está en la base de la escritura de la película, lo que impide cualquier identificación con los personajes de esta estética sofisticada: representan la duda y la desesperanza que se impone en esta época para no dejar el país.
El iraquí Mohanad Hayal no se queda atrás respecto a la integración de la violencia, ya que en “Haifa Street”, epicentro de Bagdad devastado por la violencia sectaria de la primera guerra civil religiosa en 2006, retrata la arbitrariedad de un francotirador de 25 años. Impide que una familia se haga cargo del cuerpo del hombre que, habiéndose marchado hace 20 años, volvió para pedirle a la madre que se casara con él. El drama familiar enfrenta las diferentes posiciones de la madre y los hijos con la pregunta de por qué este francotirador está haciendo esto. El trasfondo es el horror de las atrocidades americanas en la prisión de Abu Ghraib y la reproducción de esta violencia por parte de los protagonistas.
La violencia terrorista es el origen del drama de la feliz familia de “Un fils” del tunecino Mehdi Barsaoui (mención del jurado 1ª obra), pero es la envidia y el machismo los que estan entonces en el banquillo de los acusados cuando se trata de llevar una verdad pesada de aceptar mientras se busca una solución para salvar al hijo. Porque también es el cuestionamiento de los hombres que podría hacer avanzar la sociedad. Sensible, sin aliento y admirablemente interpretada por Sami Bouajila y Najla Ben Abdallah, esta película sobre la filiación habla de las mentalidades que frenan la tolerancia y la emancipación. Los personajes están en transición como lo estuvo Túnez en 2011, año clave en el que se desarrolla la película. Como en Noura’s dream, son sin embargo víctimas de leyes liberticidas que siguen vigentes, aunque el padre las utilizará paradójicamente para forzar el destino.
Como lo hizo en el teatro en 2012, el tunecino Fadhel Jaziri escenifica en “De la guerre” el viaje de un predicador que decía luchar contra la injusticia y se convierte en un tirano sanguinario. Fadhel Jaziri, cofundador del “Nuevo Teatro”, ha transpuesto a los tiempos modernos el gesto de Abi Yazid Ibn Khouayled al Kidadi, una figura mítica de la historia de Túnez conocida como Bouzid Saheb Lehmar. En un estilo espectacular cercano a los videojuegos o series, envuelto en una música omnipresente, muy rítmica y puntuada por una voz en off estructurando la historia, Jaziri pone en escena los juegos de poder y los enfrentamientos de los jefes guerreros, las torturas orquestadas por una mujer malvada, las envidias y arengas para contener la revuelta del pueblo… Las noticias se difunden en las redes sociales y si el tirano será matado con su camarilla, es la era moderna la que se evoca mientras la película termina con una oda a la revolución.
La guerra de nuevo con “Entre deux frères” de Joud Saïd: la lucha fratricida que desgarra familias, mezclando con la Kusturica lucha de ideas y celos. Después de “Le Voyage inachevé” en 2018 (bronceado y mejor fotografía) y “La Pluie de Oms” en 2017, pero también “Encore une fois” en 2009, el cineasta sirio es un habitual en la competición de ficción de JCC. Uno puede preguntarse por qué este cineasta, al que se acusa de ser favorable al régimen de Bashar el Assad, encuentra tal escaparate cuando es boicoteado en otros lugares (Le Voyage inachevé fue así desprogramado por decisión política del Festival de Cine Árabe del IMA en París en 2018). Sus películas paródicas, locas y hábiles, llenas de humor cáustico y lirismo, son adoradas y han recibido el Premio del Público tanto en 2019 como en 2018. Describen crudamente el desgarro de la sociedad y las familias, aquí una analogía con Abel y Caín, para pedir una ruptura con la violencia y regresar a la estabilidad del pasado. Este regreso a la tierra como si fuera posible evitar el debate sobre las causas sigue siendo el objetivo final en una visión que parece tanto nacionalista como conservadora.
¿Este éxito y afecto del público del festival connota una tendencia panarabista en la sociedad tunecina? En 1958, el Egipto de Nasser se unió al partido Baath de Siria para formar la República Árabe Unida (RUA), un proyecto sin futuro pero un paso adelante en el camino hacia una unión política de los países árabes, una “nación árabe” que sigue siendo más que nunca un sueño, como señaló el crítico francés Jean-Michel Frodon en su clase magistral, que trabajó sobre el cine y la nación en su libro “La Projection nationale” (transcripción en preparación). Al igual que el panafricanismo, el panarabismo está atravesado por dos tendencias: una racial y transnacional, la otra internacionalista y antiimperialista. El entusiasmo de los jóvenes tunecinos por la candidatura de Kaïs Saïed a la presidencia del país se debe sin duda menos a su postura abiertamente conservadora que a su claro soberanismo. El JCC, un festival estatal, se define como panárabe y panafricano, con el ánimo de confrontar la estética producida en estos espacios. Es normal que estén atravesados por debates relacionados. El difunto Nejib Ayed era uno de esos activistas internacionalistas, en el linaje de Tahar Cheriaa, que hoy en día son menos frecuentes. No dejó de destacar (como a Cannes en mayo de 2019) una apertura tricontinental centrada en países de América del Sur, África y Asia. Más allá de los conmovedores homenajes que se le rindieron durante el festival, su desafortunada muerte el ultimo 16 de agosto plantea la cuestión de una dirección en continuidad con estos fundamentos.
Ante la escasa presencia de películas de África subsahariana, Alain Gomis, presidente del Gran Jurado, reaccionó: “Seguimos manteniendo el hecho de que se trata de un festival panafricano, pero la competición de ficción incluye diez películas árabes sobre doce. Hay que decir que la producción del resto de África no es suficiente, en número y a veces en calidad. Hay que despertar.”
Las películas se presentaron casi exclusivamente en árabe en las salas de cine. La buena idea de la traducción simultánea para ser leída en una pantalla durante las ceremonias de apertura y clausura tropezó con la improvisación y no siguió para los discursos oficiales como el de la directora del CNCI, que fue leído y por lo tanto preexistente. Está claro que el público de la JCC es esencialmente arabista, pero el panafricanismo llamaría a un progreso en este nivel. Por otro lado, La Quotidienne (boletín diario del festival) es bilingüe y los talleres y las discusiones profesionales Carthage talks, en su mayoría en inglés y francés, tenían traducción simultánea.
Otra reflexión esclarecedora de Alain Gomis: “El problema es luchar contra el peso de algunos laboratorios de desarrollo de la escritura que hacen que las películas acaben pareciendo iguales. Se ha desarrollado un mercado que acoge este tipo de producto. Tenemos que ser capaces de mantener en el Fespaco y en los JCC una forma específica de miradas, que implica que seleccionemos diferentes películas y no esta caravana que viaja alrededor del mundo cada año y que se supone que es el escaparate.”
Contrariamente a la opinión de todos, tengo la impresión de que “Tu mourras à 20 ans” del sudanés Amjad Abu Alala (ganador de varios premios en Venecia y en el JCC por el mejor guión, el premio Tahar Cheriaa por la primera obra y el premio Fipresci) se acerca a esta categoría de películas sufriendo de su desarrollo en laboratorios y las coproducciones. Cualquier película es respetable y esta viene de la experiencia personal del realizador cuyo padre trabajó en Dubai. Sin embargo, se trata de una película destinada sin duda al éxito, de la que personalmente no siento ni la apuesta ni la belleza, a pesar de la música de Amine Buafá, más allá de una llamada consensuada a la emancipación, a través del cine, del encierro religioso o incluso del pueblo. Todo se suaviza en esta historia predecible. El jefe religioso del pueblo ha predicho la muerte de Mozamil a la edad de 20 años. Frente a esta maldición, se encierra en la religión, pero entenderá a través de un camarógrafo marginal que puede tomar su destino en sus manos (“pecar para poder pedir perdón”) y descubrir un nuevo mundo. La revuelta del hijo contra el padre ausente lleva a la revuelta de la madre, hasta entonces ambigua en su luto permanente y que parece estar contenta con este destino. Este es un escenario adaptado de una novela pero desarrollado en laboratorios de diferentes países antes de los levantamientos sudaneses. Habla de lo sagrado, pero lo sagrado está ausente, reducido a ritos y morales. Habla de la vida, pero la vida está ausente, bajo el peso de una puesta en escena lamida y una narración lineal.
En su discurso en la ceremonia de clausura, Omar Sall añadió: “África debe ver más sus imágenes para amarse y mejorarse”. Sus imágenes, efectivamente, ahí está la cuestión.
Olivier Barlet – traducción : Marie Picaud
Publicado el 7 de noviembre de 2019 | Olivier Barlet (Africultures)
groupe de recherche HESCALE
